ENTREVISTAS

Entrevista a Rosalía Banet

Rosalía Banet es una artista que traslada en su obra la visión de un ser humano roto por dentro y convertido en un objeto de consumo, que es alimentado con una dieta que lo aleja de la espiritualidad que puede reparar su vacío. En su entrevista para The Biombo propone la naturaleza como el elemento sanador que habita en nosotros mismos y que es capaz de mantener unidas las fibras racionales y emocionales que componen nuestra esencia.

1.- ¿Cuándo surge tu pasión por el Arte?

Es difícil, sino imposible, señalar un momento específico. Siempre he sentido una fuerte atracción por el arte, quizás porque siempre he sido muy tímida, y muy pronto encontré en el arte una vía de comunicación con la que me sentía muy cómoda.

La verdad es que de niña ya sentía la misma pasión por el arte que tengo ahora, por investigar, explorar, descubrir, experimentar, crear, etc.; aunque entonces no tenía más que un sentido lúdico, luego este juego se ha ido volviendo más complejo.

Cuando estaba en el instituto, recuerdo ir a museos y galerías todos los fines de semana; me encantaba ir al Lázaro Galdiano, que siempre fue mi museo favorito; después del Prado, por supuesto; La apertura del Reina Sofía, especialmente una exposición de Giacometti que me tuvo en casa meses haciendo pequeñas esculturas de barro; recuerdo colarme casi por error en la inauguración de Francis Beacon en la galería Marlborough, exposición que me dejó totalmente confusa, que me produjo repulsión y atracción a partes iguales, ¡maravilloso Beacon!; recuerdo las exposiciones de los post impresionistas en la Fundación Juan March,… y de ahí a estudiar Bellas Artes, fue casi un paso natural.

2.- En 2015 recibiste el Premio de la Comunidad de Madrid Estampa por ‘África de Sangre’, una obra en la que reflejas tu visión sobre el problema colonial en el continente africano. ¿Piensas que para que unos países sean ricos, otros han de ser pobres, o crees que puede existir un equilibrio entre Estados?

Esa pieza pertenece al proyecto Cartografías del dolor que desarrollé entre 2014 y 2016, y que está compuesto por una colección de mapas antropomorfos, en los que diferentes territorios y situaciones conflictivas son reinterpretados en forma de territorio humano; como mapas de piel, de hueso, de sangre o de estómago, mostrando así nuestra fragilidad y la del mundo que habitamos. Las piezas están realizadas con acrílicos y lápices sobre papel en diferentes formatos.

Una parte de este proyecto se centraba en la violencia inherente a toda frontera. En el caso de los países africanos es especialmente sangrante, como lo evidencian las propias siluetas de los países que componen este continente; en ellas observamos las absurdas y dañinas divisiones entre territorios, realizados contra natura, la mayor parte de las veces, llevadas a cabo por unos pocos  sobre un papel. Así vemos líneas divisorias que parten y reparten lagos, ríos y desiertos, ¡como si eso fuese posible!

El problema del abismal desequilibrio entre los diferentes territorios parte de esa división, de las acotaciones y reducciones y todo lo que conllevan (desigualdad, marginación, sufrimiento, etc,); por eso creo que es fundamental cambiar la concepción del mundo, que extendamos e invirtamos la mirada, que empecemos a aprehender el mundo como un todo, donde todo está relacionando, y por eso, cuidar de uno debe ser cuidar de todo.

ÁFRICA DE SANGRE

3.- En tu obra tratas la sociedad del consumo y el impacto de la relación entre los medios de comunicación y la industria en nuestra identidad y en nuestra voluntad. ¿Qué poder tenemos para evitar caer en el consumismo?

La sociedad del hiper-consumo es un sistema deshumanizado, que nos hace vivir vidas alienadas, lejos de nuestra verdadera esencia, de nuestra naturaleza. Es fundamental reinterpretar y resituar las nociones de trabajo y ocio que estructuran nuestras vidas. Y el arte y la cultura tienen un papel fundamental en todo esto. En la búsqueda de nuevas sensibilidades, en la recuperación de nuestra esencia, en generar lazos entre iguales y diferentes. En definitiva, en hacer este sistema sostenible.

MAPPING CONSUMER SOCIETY

4.- En tu obra tratas la bicefalia, abordándola en diversas situaciones, que van desde la gula hasta la locura y la violencia. ¿Es tu forma de vincular el consumismo a una enfermedad de nuestra era con una doble lectura?

El proyecto de las Siamesas Golosas que realicé de 2006 a 2011, aproximadamente, es un trabajo multidisciplinar que narra, a través de dibujos, fotos, esculturas, instalaciones y cuentos la vida de dos hermanas siamesas.  

Estos personajes dobles aluden a la ruptura del ser, divido entre lo que es y lo que pretende ser, entre la realidad y el deseo, entre su ser Íntimo y su ser social.

Las diferentes escenografías que componen la vida de estos personajes monstruosos -en cuanto a seres que se alejan de la norma- retratan la sociedad contemporánea con todos sus excesos y desigualdades; una sociedad en la que el ser humano ya no es un sujeto activo, ya no es un consumidor, sino que más bien se ha convertido en un objeto de consumo.  Por eso en la mesa de las siamesas Golosas no encontramos fruta ni verdura, sino fragmentos humanos. Es una comida caníbal, un régimen de símbolos  que definen al ser humano actual como un ser roto y dispuesto a ser devorado.

FÁBRICA DE CONSERVAS LAS GOLOSAS

5.- “Aflicción” retrata un individuo confuso y perdido dentro de un mundo que él mismo ha construido, pero que cada vez le resulta más ajeno y hostil. ¿Crees que nos hemos vuelto más vulnerables ante la dificultad para asimilar los cambios constantes de la sociedad líquida en la que vivimos?

Aflicción es una serie de pinturas realizadas con acrílicos y lápices de colores sobre papel que reflexiona sobre la incapacidad de comunicarnos con los demás y con nosotros mismos, que retrata nuestras obsesiones, nuestros miedos, nuestro dolor, etc. La deshumanización se refleja en estos retratos monstruosos en los que, como Dorian Grey,  el interior sale al exterior.  Nuestros fantasmas interiores se apoderan del cuerpo, lo hacen suyo, transformándolo, deformándolo, vaciándolo. El cuerpo queda así reducido a una máscara que apenas recuerda lo humano que una vez lo habitó.

AFLICCIÓN

6.- Con “Sangre” vinculas el color rojo a la vida y al bucle de emociones que somos y que determinan nuestro devenir. ¿Son los vaivenes emocionales los que nos definen como personas y los que condicionan nuestro destino?

Sangre es una serie compuesta por cientos de dibujos de muy diferentes formatos, desde pequeñas piezas de 20×30 cm a piezas de 200×150 cm.  Todos ellos componen  un gabinete que reúne algunos de los dibujos que casi diariamente realizo como primera actividad al llegar al estudio; son poemas visuales cargados de sensaciones, sentimientos, preguntas, reflexiones, etc. Cuando decidí recopilar estos trabajos y presentarlos juntos, vi que la mayoría de ellos estaban realizados en rojo, de ahí el título que los une: Sangre.

Para mí, las emociones, como la sangre, fluyen por todo nuestro cuerpo. Son parte de nosotros. Tradicionalmente, la cultura occidental separa lo racional de lo emocional, pero ambas están estrechamente unidas, pues lo racional se construye desde lo emocional y a la inversa. Esto está muy relacionado, desde mi modo de ver,  con la separación en el imaginario colectivo entre mente y cuerpo, en la concepción parcelada del cuerpo, en la falta de una visión más unificadora y relacional. ¿Cómo es posible que situemos el cerebro fuera del cuerpo? ¿Que lo tratemos como un ente independiente? Somos un todo en el que emoción y razón se entretejen en cada una de nuestras fibras.

Desde hace años trabajo con el concepto japonés de Hara (estómago), que aúna lo emocional y lo racional. Me interesa como símbolo de un todo, de unión, de  conexión, que va más allá del propio cuerpo y de lo terrenal, pues es el lugar donde habita lo espiritual, lo que va más allá de nosotros.

SANGRE

7.- Háblanos de tu instalación “El gran banquete”. ¿Qué reflexión pretendes generar en el espectador con las frases de “Come o Muere” y de “Come y Muere”?

Uno de los temas constantes en mi trabajo es el tema de la alimentación. Me interesa principalmente desde dos puntos de vista, como ritual social fundamental y por tanto como representación de la sociedad actual y, por otro lado, como necesidad básica del ser humano, cuya repercusión va más allá de lo puramente nutricional, que aúna cuestiones económicas, políticas, sociales, culturales, individuales y medioambientales.

El gran banquete es una instalación que representa un triclinio contemporáneo, que invita a reflexionar sobre las consecuencias del acto alimenticio. La pieza fue realizada en 2016/17, durante el año de estancia como artista residente en la Real Academia de España en Roma. Toda la comida que aparece en la instalación (realizada con resina) simula estar quemada; supone una crítica al sistema alimenticio actual, cuya comida ya no nos nutre sino que no está envenenando. De ahí el lema que preside este gran banquete fúnebre: Come o muere. Come y muere. En la época de la superabundancia, aquellos que ya no debemos preocuparnos por conseguir la comida, debemos sin embargo lidiar con la elección de la comida, un tema complejo y confuso.

8.- En el espacio de la interiorista Paloma Cañizares en Casa Decor 2020 me gustó mucho tu escultura de unos pies sobre los que crece hierba. ¿Qué temática tratas con esta obra de arte sostenible?

Paloma Cañizares es una de los arquitectos jóvenes más interesantes de nuestro país. Su trabajo se sitúa más allá de la dicotomía entre lo clásico y lo contemporáneo, lo que confiere a su obra una gran versatilidad y la sitúa fuera de las modas pasajeras.

He tenido la suerte de poder colaborar con ella en diversos proyectos y la fortuna de contar con su colaboración en otros tantos, lo cual es siempre enriquecedor, interesante y divertido.

En su primera participación en Casa Decor, Paloma Cañizares ha realizado una estancia que aúna concepto y estética magistralmente. Ha desarrollado una estancia que bajo el nombre de Templo quemado reflexiona sobre nuestra relación con la naturaleza.

Dentro de este proyecto Paloma ha contado con algunas piezas de mi serie HomoHumus, en la que estoy trabajando en la actualidad y que representa un ser humano roto, de cuyo interior surgen plantas enredaderas que se van conectando entre sí y, al mismo tiempo reconectando las diferentes partes corporales. La naturaleza aparece como elemento sanador, pero la naturaleza no es algo lejano, sino que habita en nosotros. La serie surge a partir de origen latino de la palabra Humano, que procede de la unión de dos conceptos: homo (hombre) y Humus (tierra). Las piezas están realizadas en cerámica, por lo tanto es un ser hecho de barro, de cuyo interior brota la vida.

SERIE HOMO HUMUS EN CASA DECOR 2020

9.- ¿Qué actividades creativas estás realizando durante este tiempo de confinamiento al que estamos sometidos por la crisis sanitaria actual?

Por fortuna, tengo mi estudio en casa, así que sigo trabajando casi con normalidad, aunque con una mayor tranquilidad, pues habitualmente en la cotidianeidad hay muchas interferencias de diversa índole que ahora mismo se han quedado al margen, lo que me permite estar plenamente focalizada en mi trabajo. Así que estoy aprovechando al máximo este aislamiento, que por otra parte no me resulta tan extraño, pues la vida en el estudio tiene siempre algo de reclusión y soledad.

La preocupación está en lo que vendrá cuando salgamos de esta situación, en cómo vamos a reconstruirnos, a reinventarnos y a sacar lo mejor de esta crisis. Pero ahora mismo intento estar en el ahora, con serenidad y optimismo.

10.- ¿Cuáles son las próximas obras en las que estás trabajando?

En estos momentos estoy trabajando en un proyecto que bajo el nombre de Homo Humus: Return to Nature, reflexiona sobre nuestra relación con la naturaleza, que en realidad es la relación con nosotros mismos y con todo lo que nos rodea. Este proyecto conlleva una investigación sobre el uso de materiales sostenibles en la escultura, lo que implica trabajar con materiales reciclados, como redes de pescadores, con materiales y técnicas tradicionales y artesanales, como la cerámica o la lana fieltrada, y con materiales vivos, como plantas, piedras o semillas.  

Muchas gracias por concederme esta entrevista para The Biombo. Te deseo muchos éxitos en tu carrera como artista.

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