ARTISTAS, ENTREVISTAS

Entrevista a Marina Vargas

Marina Vargas es una artista que concibe el arte como un gran medio para moverse sin impedimento y sin palabras. En su entrevista para The Biombo nos habla de la lucha entre contrarios que refleja en su obra y de su especial sensibilidad hacia la desigualdad por razón de género como injusticia social.

1.- ¿Cuándo surge tu pasión por el Arte?

Mi pasión por el arte surge en el momento en el que se me presenta como una necesidad. Fue gracias a un accidente de coche. Es un tanto Frida Kahlo…  

Con diez para once años, me atropelló un coche y me fracturé la parte central del fémur izquierdo. Tuve que llevar un aparato que se llama orthofix y esto hizo que me tirara prácticamente dos años con movilidad muy reducida.

Así es como descubrí que dibujar, puede llegar a ser un gran medio para moverse sin impedimento y sin palabras

2.- Llevas mostrando arte al público desde el año 2003. ¿Cómo ha evolucionado tu obra a lo largo de estos años?

Mi primera exposición individual fue Sacrificio en el 2003, en el Carmen de la Victoria de Granada.   

Sacrificio (2003)

El Carmen de La Victoria además de contar con una sala de exposiciones y eventos, dispone de habitaciones para alojar a los invitados externos de la Universidad de Granada. Durante mi exposición se alojaron allí, los Monjes Ortodoxos del Monte Athos, que exponían su obra y manuscritos en la sala de exposiciones del Hospital Real de Granada.

Los monjes vieron la exposición y se alarmaron al descubrir que la obra había sido realizada por una mujer. Me contaron que les gustó al principio, pues son iconoclastas y les interesó, porque mi trabajo de alguna manera lo encontraban cercano, por el color y el interés por la simbología. Pero más tarde se enteraron de que las obras habían sido hechas por una mujer y lo calificaron como una herejía.

Los monjes del Monte Athos tienen por norma prohibir la entrada a las mujeres al monte. Y el único símbolo que consideran una herejía es el sagrado corazón. Imagen de la que parte mi pared de dibujos y la escultura “Rosarium” que configura la instalación.

Esto no es casualidad. Pues la imagen del sagrado corazón fue creada por una mujer: Margarita María Alacoque.

Como consecuencia, la Universidad decidió cerrar la Exposición mientras los monjes estuvieran alojados allí para que no se alteraran.

Por otro lado, me interesó mucho que mi obra provocara ese tipo de reacción.

Si miro al futuro partiendo de esta muestra, puedo ver formalmente cómo de alguna manera sigo utilizando esa misma paleta de colores: rojo, blanco, negro, oro y plata. Colores que elegí a nivel simbólico y que a su vez son los mismos con los que los monjes hacen sus iconos…

Formalmente veo que he continuado de alguna manera con el uso de la espuma de poliuretano- expandido. Material que relaciono con la idea del cuerpo, lo informe, la entraña o el material que se sale del control.

También encuentro una gran evolución entre la escultura Rosarium 2003 y mi proyecto, “Ni Animal Ni Tampoco Ángel” 2015.

A nivel de contenido sí que veo que de alguna manera me ha acompañado mi interés en la simbología y en este sentido podríamos ver la evolución en mi proyecto de «Las líneas del Destino». Proyecto que toma como objeto de estudio la baraja del tarot de Marsella.

Y con respecto a la imagen del sagrado corazón, nunca me ha dejado de acompañar a lo largo de mi obra. Si pienso en lo sucedido hasta me parece que La Piedad Invertida o La Madre Muerta sería una gran respuesta a la censura de mi exposición.

Por lo demás, sigo luchando por las injusticias con las que nos topamos por el hecho de ser mujer.

La Piedad Invertida o La Madre Muerta.

3.- En tu obra reinterpretas muchas historias que tenemos interiorizadas, formulándote interrogantes y buscando otros desenlaces. ¿Cuáles son los temas que más te inquietan?

Una constante que está en mi obra es el interés por «lo invisible». 

En base a ello están muy presentes lo ancestral, lo sagrado, la simbología y la alquimia. El cuerpo cómo contenedor de todos estos aspectos.

De ahí surge mi interés por la astrología, el tarot así como diversos sistemas de visión que crean lenguajes, percepciones y cosmogonías personales que mucho tienen que ver con la manera en la que nos relacionamos y presentamos al mundo. En este aspecto me atrae mucho el arte visionario o espiritual y el arte bruto. 

4.- Algunos categorizan tu obra dentro del dramatismo barroco, una forma de expresar tu preocupación por la muerte, la violencia y las experiencias traumáticas del ser humano. ¿Con qué dramas sociales te sientes más sensibilizada?

Sin duda alguna con el que estoy más sensibilizada es con éste, que estamos viviendo en este momento.

Un virus «invisible» al ojo humano ha arrasado con el mundo, tal y como estaba estructurado…

Estoy perpleja y consternada. Mi mente está llena de contradicciones y en una continua montaña rusa de emociones.

Paso los días contemplando y estudiando las actitudes de todos los políticos. Cómo las clases sociales se hacen aún más patentes y los más vulnerables una vez más son los más golpeados. No me deja de sorprender, las diferentes actitudes ante el miedo.

Mientras algunos siguen mirando la bolsa y especulan con el material sanitario, otros mueren o por tratar de salvar vidas o porque les tocó. 

Por otro lado, me emociona a niveles excepcionales todas esas personas que están en primera línea y la reparación que ha tenido el cambio climático tan maltratado. No dejo de invocar a la esperanza que tengo de un cambio global para mejor. El mundo gritó y puede que sirva de reflexión y transformación. 

Me siguen preocupando los temas que vemos en este momento tan patentes: el abuso de poder, la violencia de género, la diferencia de clases, la cultura del evento, la violencia dentro del mundo del arte, el silencio como adoctrinamiento y el reconocimiento del trabajo de las mujeres en todos los planos, pero más específicamente en el arte y más en este momento crucial.

5.- Me han llamado especialmente la atención las obras que has realizado con Resina de poliéster, polvo de mármol y esmalte, que integran la Colección “Ni animal, ni tampoco Ángel” (2015). En ellas, aparecen figuras clásicas casi absorbidas por una resina de color rosa. ¿Qué mensaje quieres transmitir?

Eros Centocelle o Spiritus Vitae. 2015.

«Ni Animal Ni Tampoco Ángel» 2015, trata de cuestionar los cánones grecorromanos que hemos establecido como verdades dogmáticas e interrogándonos sobre los símbolos atávicos que sobreviven en el tiempo gracias a su transmutación en alegorías de poder.

Supone una revisión de la disciplina en clave irónica, feminista y deconstructiva, mediante la cual, desmantelo el discurso hegemónico del canon que el poder económico y la política han perpetuado a lo largo de la historia.

Éstos vaciados, envueltos en espuma y policromados (en su mayoría) de color rosa, pierden su seriedad, quedando oculta y llegando a caer del pedestal.

Con este gesto trato de sacar a la luz lo oculto, el vicio sobre la virtud, lo apolíneo y lo dionisíaco, el orden y el caos.

Este choque de contrarios configura la razón de ser y estar en el mundo.

Extremos que forman parte de mí misma: lo material y lo espiritual, lo clásico y lo barroco, lo elevado y lo bajo, e incluso podríamos hablar de lo escultórico y lo pictórico. Es esta dualidad es la que me lleva a asociar el nombre de las esculturas con los términos que el alquimista Paracelso, otorga a los diferentes estados de transformación de la materia que configura el cuerpo. Como por ejemplo Eros Centocelle o Spiritus Vitae.

Paracelso define Spiritus Vitae, como Espíritu Vital; la fuerza de irradiación inherente a todo cuerpo vivo y que todo cuerpo alberga en sí como parte de la irradiación cósmica general (fuerza mundial).

6.- En la Impresión digital en papel de algodón titulada “El modelo y la artista” (2015), ambos personajes aparecen fusionados por completo. ¿Es tu manera de contar que el arte abraza la musa que lo crea para ser sólo uno? 

El modelo y la artista

El Modelo y La Artista pretende incidir en la dualidad ambivalente entre lo masculino y lo femenino en la representación de los arquetipos clásicos, dentro de la escultura grecolatina, el Renacimiento y el canon occidental que ha prevalecido en las academias artísticas y en la historia del Arte. Esta pieza es un gesto de reconciliación y reivindicación poética.  Me interno en la relación del género entre artista y modelo, subvirtiendo la condición falocentrica instaurada por la historia del arte.

La carga erótica es evidente, pero más aún la lucha de contrarios: femenino-masculino, animado-inanimado, artista-modelo, el calor del cuerpo humano contra el frío mármol del Torso de Belvedere.

Este autorretrato expresa el poder de la fragilidad como dos caras de lo mismo.

Como si fuera el abrazo entre la vulnerabilidad del ser y la energía creativa, alimentándose uno al otro.

Dialogar con la obra es tratar de descubrir lo que ella nos dice todavía. Ver lo que el pasado puede decir todavía al presente, y qué respuesta o pregunta podemos dar a sus misterios.

7.- Obras de las Colecciones Psicoideos (2007) y Jardín de Suplicio (2008) han resultado seleccionadas por la diseñadora de moda Arena Martínez para las T-shirts de su marca. ¿Qué simboliza cada una de ellas?

PSICOIDEOS MASACARA. 2007

Psicoideo Máscaras es una serie de piezas basadas en la idea de amuleto, en los objetos de poder o instrumentos de ritual. 

Así como una honda indagación en el poder de la máscara, los arquetipos y el inconsciente colectivo.

Regresar a la idea de Tótem. Reflexionar sobre una cosmología de imágenes o «arquetipos» que reinterpreto y represento obsesivamente en cada uno de los pequeños dibujos que configuran el perfil de cada máscara africana. 

Pasar del microcosmos al macrocosmos y viceversa. 

Construir cada máscara con la consciencia de que cualquier tipo de sus poderes tiene la misión de salvaguardar la herida o lo débil.  En este caso, de toda la serie Arena eligió la máscara del chamán.

La otra pieza seleccionada por Arena Martínez es un detalle de la instalación que tiene el mismo título que mi exposición individual «Jardín de Suplicio» 2008. Esta exposición la desarrollé tras mi estancia en Caracas-Venezuela gracias a la Beca Manuel Rivera. 

El Proyecto trata de asimilar la realidad violenta en un entorno paradisíaco como es Caracas.

El impacto de ver y vivir situaciones violentas que antes veía desde la distancia y que entonces veía al lado me hizo reflexionar en el culto a la violencia. Existen museos de armas que podrían hacer un recorrido visual de la relación del hombre con la violencia y sus sistemas de defensa y poder. Fuerte contradicción ésta, que me dio pie a transformar los bastidores en armas que contenían heridas, entrañas y naturalezas muertas…

Durante el proceso de trabajo fui buscando la siluetas y nombres de estas armas y descubrí que la mayoría de ellas tienen nombre de mujer, como la que seleccionó Arena; Rossi calibre 357.

Esta asociación de todo lo maligno o dañino con lo femenino, no me pareció casual tampoco…

8.- ¿Qué actividades creativas estás realizando durante este tiempo de confinamiento al que estamos sometidos por la crisis sanitaria actual?

Especialmente estoy leyendo y escribiendo. Sobre todo, escribiendo

También escucho música y veo mucho cine.

Pero encuentro especial placer en la lectura.

Hacía tiempo que no leía sin objetivo o búsqueda y ahora que estoy leyendo por el placer de leer es como si estuviera más abierta y las cosas vinieran a mí en lugar de tratar de buscarlas…

9.- ¿Cuáles son los próximos proyectos en los que estás trabajando?

Estaba trabajando en un proyecto que iba a ver la luz el 28 de Marzo y que se aplazará para alguna fecha más adecuada.  «La Voz de Mariana» es un proyecto público que se desarrollará en la Plaza de Mariana Pineda de Granada. En él, relaciono muy intencionadamente el monumento de Mariana Pineda con los relatos y voces de mujeres que han sido y están siendo maltratadas. Estos relatos serán escuchados por teléfono a través de un código que se registrará en un cartel de cerámica que hay junto al monumento que dice: AGUA NO POTABLE.

Este proyecto es posible a la colaboración y comisariado de Miguel Ángel Moreno Carretero.

Forma parte de su propuesta de crear una colección de arte público en Granada, con intervenciones «casi invisibles». En este proyecto han participado artistas como Alegría y Piñero, Pablo Capitán o Julio Acab.

También ando inmersa creando un libro de artista muy especial gracias a Julián Mesa González y su editorial «Libros de Mesa».

Es un libro que recoge relatos, pensamientos y vivencias de mis últimos años, junto a obra, bocetos e ideas. Hemos alargado su presentación para contar con tiempo y poder escribir y vivir sobre mi enfermedad, algo que creo que además de servirme a mí podrá ser útil para los demás…

En esta labor estoy centrada en este momento.

El mayor de mis proyectos: la sanación.

Mientras ando sanando sigo trabajando con Óscar Alonso Molina,  un proyecto específico para la galería Gemma Llamazares. A la par que voy charlando e incubando una obra para un proyecto específico que se desarrollará en México de la mano de Miguel Cereceda. Se trata de «La Noche Triste». Un proyecto que conmemora el quinto centenario de la llamada, «Noche Triste», en la que los hombres de Hernán Cortés tuvieron que salir huyendo de Tenochitlan, sufriendo una humillante derrota.

Claro, que ahora mismo todo depende de la situación que estamos viviendo.

Muchas gracias por concederme esta entrevista para The Biombo. Deseo que sigas cosechando muchos éxitos en tu carrera como artista.

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